domingo, 3 de febrero de 2008

Monet, Claude

Magpie
1868-69 (100 Kb); Musée d'Orsay, Paris

Monet, Claude (n. Noviembre 14, 1840, París, el P. d. .-- Diciembre 5, 1926, Giverny)
Pintor francés, iniciador, líder, y firme defensor del estilo impresionista.Es considerado como el arquetipo de impresionistas en que su devoción a los ideales del movimiento fue inquebrantable a lo largo de su larga carrera, y es oportuno que uno de sus cuadros - Impression: Sunrise (Museo Marmottan, París, 1872) - dio al Grupo su nombre.


Los primeros trabajos, Sainte-Adresse, cerca de Le Havre 1840-1872
Primera cuadros impresionistas
Más tarde Impresionismo
París
Catedral de Rouen
Álamos en el Epte
Waterlilies
Haystacks
Casas del Parlamento, Londres
Último año
Su juventud se gastó en Le Havre, donde primero se destacó como caricaturista, pero luego fue convertido a la pintura de paisaje por sus primeros mentores Boudin, de la que ésta deriva su firme predilección por la pintura al aire libre. En 1859 estudió en París en el Atelier Suisse y formaron una amistad con Pissarro. Después de dos años de servicio militar en Argel, regresó a Le Havre y se reunió Jongkind, a quien le dice que le adeuda la definitiva »de la educación de mi ojo". Luego, en 1862, entró en el estudio de Gleyre en París y allí se reunió Renoir, Sisley y Bazille, con el que se formen el núcleo del grupo de los impresionistas. Contemplar la dedicación a la pintura de las puertas se ilustra con la famosa historia acerca de uno de sus primeros trabajos más ambiciosos, la Mujer en el Jardín (Musée d'Orsay, París, 1866-67). La imagen es de unos 2,5 metros de altura y para que pudiera pintar la totalidad de la misma fuera una trinchera que había cavado en el jardín de modo que el lienzo podría subir o bajar por poleas a la altura de lo requerido. Courbet lo visitó cuando estaba trabajando en ello y dijo que no Monet pintura incluso las hojas en el fondo a menos que las condiciones de iluminación eran exactamente derecho.

Durante la guerra franco-prusiana (1870-71), se refugió en Inglaterra con Pissarro: estudió la obra de Constable y Turner, pintó el Támesis de Londres y parques, y se reunió con el distribuidor de Durand-Ruel, que se convertiría en uno de los Grandes campeones de los impresionistas. De 1871 a 1878 vivió Monet en Argenteuil, un pueblo sobre el Sena, cerca de París, y aquí se pintó algunos de los más alegres y famosas obras del movimiento impresionista, no sólo por Monet, pero los visitantes por su Manet, Renoir y Sisley. En 1878 se trasladó a Vétheuil y en 1883 se estableció en Giverny, también sobre el Sena, pero a unos 40 kilómetros de París. Después de haber experimentado la pobreza extrema, Monet comenzó a prosperar. En 1890 él tuvo éxito suficiente para comprar la casa en Giverny previamente había alquilado y en 1892 se casó con su amante, con quien había iniciado un romance en 1876, tres años antes de la muerte de su primera esposa. A partir de 1890 se centró en la serie de fotografías en la que pintó el mismo tema en diferentes momentos del día en los diferentes luces --- Haystacks o Grainstacks (1890-91) y la catedral de Rouen (1891-95) son los más conocidos. Él siguió muy de viaje, la visita a Londres y Venecia varias veces (y Noruega también como invitado de la reina Christiana), pero cada vez más su atención se centró en el famoso jardín de agua creó en Giverny, que sirvió de tema para la serie de Pinturas de lirios de agua-que se inició en 1899 y pasó a dominar por completo su obra (en 1914 había construido un estudio en los terrenos de su casa para que pudiera trabajar en las enormes lienzos).

En sus últimos años no le preocupa la vista, sino que pintó hasta el final. Fue enormemente prolífico, y muchas de las principales galerías de tener ejemplos de su trabajo.
Femme à l'ombrelle tournée vers la gauche

Water Lilies (The Clouds)
1903 (180 Kb); Oil on canvas, 74.6 x 105.3 cm (29 3/8 x 41 7/16 in); Private collection

Water Lilies
1906 (190 Kb); Oil on canvas, 87.6 x 92.7 cm (34 1/2 x 36 1/2 in); The Art Institute of Chicago

Waterlilies, Green Reflection, Left Part
1916-1923; Orangerie, Paris

Camille Pisarro

Gelee blanche (Hoarfrost)
1873 (230 Kb); Oil on canvas, 65 x 93 cm (25 5/8 x 36 5/8"); Musee d'Orsay, Paris

Camille Pissarro, nació en 1830, en Santo Tomás (Indias Orientales), murió en París en 1903. Pintor impresionista vivió gran parte de su vida en medio de asedios económicos, pero mantuvo su fe en los objetivos del Impresionismo. Era el hijo de un próspero comerciante judío, Abraham Gabriel Pissarro, y de Rachel Manzano-Pomié. A 12 él años marchó a París para realizar sus estudios y en el ambiente que lo envolvió la ciudad, mostró su temprano interés por el arte; no obstante, de regreso a las Indias Orientales, trabajó cinco años en la tienda de su padre, y ahí, en sus momentos de holganza, influido por el exótico paisaje de la isla y de sus habitantes, se dedicó a hacer bocetos de todo lo que veía. Pero, su padre le negó el permiso para estudiar arte, por lo que Camille se escapó a Caracas, en 1853. Allí trabó amistad con el pintor dinamarqués Fritz Melbye y permaneció dos años en Venezuela. Dada la firme actitud mostrada por el muchacho, en 1855, el padre accedió a sus deseos y marchó a Francia. De esta primera época son las figuras de personas y paisajes de los trópicos que traía en sus bocetos y, entonces, se aventuró en el campo francés, que pintó amplia y cuidadosamente, demostrando ser un fino observador de la naturaleza, condición que siguió siendo muy característica de su arte a lo largo de su vida.
Las enseñanzas académicas, sin inspiración, de la Escuela de Bellas Artes, en la que se había apuntado, impulsó a Pissarro a buscar otras enseñanzas y las encontró en el su tocayo Camille Corot, que le permitió presentarse como su pupilo en una exposición de Salón de Exhibiciones, en 1864. Por ese tiempo, también, se sintió muy atraído por las pinturas de la naturaleza del pintor Jean-Francois Mollet, que trabajaba con Gustave Courbet, el principal defensor del realismo.
Durante el decenio de los 60, Pissarro participó en las discusiones del famoso Café Guerbois, en los que artistas y escritores intercambiaban ideas; además, trabajó con los jóvenes pintores Auguste Renoir y Claude Monet. Pero, escapando de la Guerra Franco-alemana, en 1870, Pizarro y Monet marcharon a Inglaterra y en los museos de Londres vieron pinturas del paisaje británico Además, en Londres, Pizarro se casó con Julie Vellay, anteriormente la sirvienta de su madre, y que ya lo había dado dos de sus siete hijos. Cuando Pizarro volvió a Francia, encontró que su casa de Louveciennes había sido saqueada y habían sido destruidas una gran parte de sus pinturas. Por otra parte, dado el alto costo que significaba vivir en París, alquiló una casa en Pontoise, por los paisajes, porque esos ambientes formaron el tema de su arte durante unos 30 años, y siempre eran cuidadosamente elegidos. "Yo quiero que una mancha tenga belleza"! En Pontoise, vivió con Paúl Cézanne, en 1872, dado que los dos eran pintores-puertas- afueras -, incluso, en medio del invierno.
Los motivos de las pinturas de Pissarro reflejan casas, faetones, árboles, montones de heno, campos, campesinos trabajando, y escenas del río. Nunca son escenas dramáticas; sin embargo, las formas no se disuelven, permanecen firmes y los colores son fuertes; las pinceladas frecuentemente reflejan los cambios de luz, como en "Huerto con Frutas Floreciendo" Aunque sus pinturas fueron vendidas por el distribuidor Paúl Durand-Ruel, que representó a varios de los Impresionistas, Pizarro seguía pasando penalidades económicas, lo se refleja en una correspondencia de más de veinte años que mantuvo con Lucien, su hijo mayor.
Preocupado por problemas de estilo y técnica, se incorporó a las teorías de los Neo-Impresionistas, de Georges Seurat, a quien fue presentado, en 1885, el pintor Paúl Signac. La técnica de Seurat, consistía en lograr las formas mediante un uso meticuloso de pequeñas gotas de color que se yuxtaponían, era el puntillismo. Pizarro pintó así unos cinco años, pero su arte fue impopular y criticado por su propios amigos pintores. Finalmente, Pissarro abandonó el puntillismo, no solo debido a la oposición que encontró, sino porque "era imposible ser fiel a mis sensaciones y por consiguiente para dar vida y movimiento; además, era imposible para ser fiel a los efectos".
Aproximadamente por este mismo tiempo, también tuvo un alejamiento con Paúl Gaugin, que había trabajado anteriormente a su lado, pero ahora había estado envuelto con el nuevo movimiento de Simbolista.
En 1892, sostenida por Durand Ruel, se hizo una gran exposición retrospectiva de sus obras, que alcanzó un gran éxito y, como resultado, tuvo por fin la mayor etapa de estabilidad financiera. Pero, en ese tiempo, casi no podía trabajar, porque sufrió el agravamiento de su crónica infección del ojo; no obstante, del 93 al 97, pintó cuadros de las calles de la ciudad, de noche, con sol, lluvia o niebla. También hizo una serie de escenas del río, en Rouen, siempre con jugando con los tonos de luz.
Pissarro fue el único pintor Impresionista que participó en las exposiciones de los ocho pintores que formaron el grupo. Su bondad, su calidez, su sabiduría, y las palabras alentadoras y paternales no las escatimó para pintores más jóvenes -Monet, Renoir, Cézanne, y Gauguin.
A pesar de que las penurias financieras lo persiguieron hasta cumplir los 60, de los 73 años que vivió, Pizarro nunca perdió fe en el nuevo arte.
Decía:
"¡Uno debe empeñarse en lograr el éxito hasta el mismo final, porque si no es así, no hay esperanza!"
The Shepherdess (Young Peasant Girl with a Stick)
1881 (320 Kb); Oil on canvas, 81 x 64.7 cm (32 x 25 1/4"); Musee d'Orsay, Paris

Peasant Girl Drinking her Coffee
1881 (200 Kb); Oil on canvas, 65.3 x 54.8 cm (25 1/8 x 21 3/8"); The Art Institute of Chicago

Berthe Morisot

L'HORTENSIA.OU LES DEUX SOEURS

Berthe Morisot

Pintora francesa

Nació el 14 de enero de 1841 en Bourges (Francia) en el seno de una familia de la alta burguesía. Siguió junto a su hermana Edma los cursos de Eugene Benot Buichard, discípulo de Ingres y de Delacroix. Su Abuelo paterno fue un arquitecto famoso y su padre, Tiburcio Morisot, estudió en la Escuela de Bellas Artes, visitando Italia y Grecia. Con influencias de Édouard Manet, al que conoció en el Louvre donde realizaba su tarea como copista. Incluso fue la modelo de algunos de sus cuadros como en "En el Balcón". Se emparentó con él al contraer matrimonio con su hermano menor, Eugène. Forjó un estilo impresionista caracterizado por la delicadeza y sutileza. Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando paisajes y escenas de mujeres con niños. Entre su obra destaca Madame Pontillon sentada en la hierba (1873, Museo de Arte de Cleveland) y El espejo de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Falleció el 2 de marzo de 1896, en París. Fue enterrada en el sepulcro de los Manet en Passy
LA CHASSE AUX PAPILLONS

LE BERCEAU

LES ENFANTS DE GABRIEL THOMAS

Auguste Rodin


BIOGRAFIA:

Auguste Rodin


Escultor francés


Nació el 12 de noviembre de 1840 en París. Hijo de un oficial de policía, de los catorce a los diecisiete años estudia en la Petine Ecole de Dessin, de París, donde se revela como modelador y por su cuenta en el Museo del Louvre. En tres ocasiones fue rechazado para ingresar en la Escuela de Bellas Artes. Trabajó para ayudar a sostener a su familia, aceptando incluso ejecutar oficios bajos, a la vez que colaboraba con decoradores y escultores comerciales. Se enroló en el ejército durante la guerra Franco-prusiana, pero fue dispensado del servicio a causa de su miopía. Entre 1864 y 1872 trabaja como ornamentador con A.E. Carrier- Belleuse. Trabajó para otros escultores durante mucho tiempo. Colabora en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. En el año 1875, se translada a Italia, donde se sintió fascinado por el movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento como Donatello y Miguel Ángel. Dos años más tarde, en 1877, es aceptado en el Salón, donde presenta El vencedor (luego la edad de bronce), que afianza su nombre. En 1880, el gobierno francés le encarga una puerta para el Museo de Artes Decorativas, en la que trabaja hasta su muerte; es Las Puertas del Infierno, y de ella surgen muchas de sus más célebres esculturas. Sostenía que la belleza en el arte consistía en una representación fiderigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura; el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota. Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en Las puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó Las puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador, Adán y Eva. En 1886 terminó Los burgueses de Calais; esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica.
Rodin también produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, así como del pintor Jules Bastien-Lepage; también hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes. Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917.

Guillaumin, Jean-Baptiste Armand

Boats on the shore of the sea (Le Brusc)

Guillaumin, (Jean-Baptiste-), Armand (n. Febrero 16, 1841, París, el P. .-- d. 26 de junio de 1927, París), pintor francés del paisaje y grabador, que era miembro del grupo de los impresionistas.
[Enciclopedia Británica, 1994]
El más largo superviviente impresionistas, el más leal, y, probablemente, el menos conocido, Guillaumin nació en París de una familia que recientemente había trasladado allí desde el centro de Francia, donde como un chico que pasó gran parte de su tiempo. A la edad de 15 años comenzó a trabajar en la tienda de su tío, mientras que el estudio de dibujo por las tardes. En 1860 obtuvo un empleo en el ferrocarril París-Orleans, a continuación de la pintura en su tiempo libre. En 1861 ingresó en la Académie Suisse y se reunió con Cézanne y Pissarro, con los que ha de seguir siendo en una estrecha términos para el resto de su vida. Pasaron algún tiempo juntos en Pontoise, Cézanne y está muy impresionado por la visión del Sena que Guillaumin pintado en 1871 (Museo de Bellas Artes de Boston). En este momento los tres fueron frecuentes los visitantes de la casa de Gachet en Auvers, y en ella se establecía Cézanne hizo un retrato-grabado Guillaumin. Cézanne también copiada por él una pintura de la Seine de Bercy (1876-78; Kunsthalle, Hamburgo).

Guillaumin expuesto en el Salon des Refusées y en la mayoría de las exposiciones impresionistas. Degas y Monet no eran particularmente impresionado por sus obras, que se caracterizaron por la pasión por el color que, hacia el final de su vida, le trajo cerca de los Fauves. Su mejora de las perspectivas en que fue abordada por el distribuidor Auguste Portier, que había comenzado su carrera con Durand-Ruel, y él se aseguró de la estabilidad financiera cuando ganó un gran premio en la Loterie Nationale en 1891. Se convirtió en amistad con Van Gogh, con su propia cuyo trabajo tiene ciertas afinidades (1895; Vista de Agay, Musée d'Orsay), y en 1904 pasó algún tiempo en Holanda. El vigor de su brushwork, y el evidente entusiasmo lírico que informa a sus paisajes con él cerca de van Gogh, y claramente influido en el joven Matisse.

Trees and pasture

Fields and trees at Damiette

At the Quay de Bercy in Paris

Sisley, Alfred

Bridge at Villeneuve-la-Garenne
1872 (170 Kb); Oil on canvas, 49.5 x 65.4 cm; Metropolitan Museum of Art, New York


Sisley, Alfred (n. Octubre 30, 1839, París, el P. .-- d. Enero 29, 1899, Moret-sur-Loing), el pintor que fue uno de los creadores del impresionismo francés.

Sisley nació en París de padres Inglés. Después de su escuela, su padre, un comerciante de comercio con los estados del sur de América, lo mandó a Londres para un negocio, la búsqueda de este sabor, Sisley regresó a París en 1862 con el fin de convertirse en un artista. Su familia le dio todo el apoyo, enviándolo a el estudio de Gleyre, donde conoció a Renoir, Monet y Bazille. Pasó algún tiempo en la pintura de Fontainebleau, en Chailly con Monet, Renoir y Bazille, y más tarde en Marlotte con Renoir. Su estilo en este momento está profundamente influenciado por Courbet y Daubigny, y cuando él por primera vez en el Salón en 1867 era como el pupuil de Corot.

En ese momento, sin embargo, él había comenzado a frecuentar el Café Guerbois, y era cada vez más profundamente influenciada por los conceptos que están creando Impresionismo. Durante la guerra franco-prusiana y el período de la Comuna, pasó algún tiempo en Londres y fue presentado a Durand-Ruel por Pissarro, convirtiéndose en parte de que el concesionario estable. Entre tanto, su padre había perdido todo su dinero como consecuencia de la guerra, y Sisley, con un apoyo a la familia, se redujo a un estado de penuria, en el que iba a permanecer en el país hasta prácticamente el final de su vida.

Él ahora ve a sí mismo como un profesional a tiempo completo pintor y parte del grupo impresionista, que exhiben con ellos en 1874, 1876, 1877 y 1882. Su trabajo ha logrado por esta vez total independencia de los principios de influencias que ha afectado a él. En la década de 1870 se produjo una notable serie de paisajes de Argenteuil, donde vivía, una de las cuales, El Puente en Argenteuil (1872; Brooks Memorial Gallery, Memphis, EE.UU.), fue comprada por Manet. Hacia el final de la década Monet estaba empezando a tener una gran influencia sobre él, y una serie de pinturas de paisajes de los alrededores de París, incluidos Marly, Bougival y Louveciennes (1876; inundaciones en Port-Marly, Musée d'Orsay), Muestra la forma en que su dominante y evidente lirismo todavía respeta las exigencias de la cuestión. Desde su temprana admiración por Corot que mantuvo un apasionado interés en el cielo, que casi siempre domina sus pinturas, y también en los efectos de la nieve, los dos intereses a menudo combinan para crear un efecto dramático extraño (1880; Nieve en Véneux; Musée d 'Orsay). Naturalmente diferentes, no promover a sí mismo en la forma en que algunos de sus colegas impresionistas hizo, y sólo hacia el final de su vida, cuando se estaba muriendo de cáncer de la garganta, que recibió algo acerca al reconocimiento del que merecen.

L'automne: Bords de la Seine pres Bougival (Autumn: Banks of the Seine near Bougival)
1873 (170 Kb); Oil on canvas, 46 x 62 cm (18 1/4 x 24 5/16"); Museum of Fine Arts, Montreal

The Chemin de By through Woods at Roches-Courtaut, St. Martin's Summer
1880 (180 Kb); Oil on canvas, 60 x 81 cm (23 1/2 x 32"); Museum of Fine Arts, Montreal

Provencher's Mill at Moret
1883 (230 Kb); Oil on canvas, 54 x 73 cm; Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam

The Church at Moret
1894 (160 Kb); Oil on canvas, 100 x 81 cm; Musee du Petit Palais, Paris

viernes, 11 de enero de 2008

ART BRUT

Privado distribuidor especializado en Outsider Art, Arte vernácula, Neuve Invención, Arte de Trauma, con visión de futuro, Folclore, y encontrado Art. Museo de la calidad del trabajo en la pintura, tinta, y materiales reciclados por artistas emergentes y maestros. Muy fuerte, a veces de enfrentamiento los trabajos, ilustrados a través de 200 imágenes y texto reflexivo por parte de la psiquiatría y el arte comunidades.

"El crítico Roger Cardenal ha descrito varias características de extraño arte que hacer un cierto sentido-incluso cuando parecen aplicables a todo tipo de artistas. Ha escrito extraño que los artistas se encuentran aisladas o secreto individuos cuyo trabajo crea un mundo alternativo, que es obsesivo Y ilógico y es a menudo hecha de materiales commmonplace. Pero, mucha gente en el campo, sobre todo profesionales de museos, cada vez más examinar esta definición para ser un poco peyorativa o para aislar a este tipo de trabajo de "normal" el arte de una manera que sea disminuir o idealizar. En Además, gran parte de este arte está entrando en la corriente principal de los dos la historia del arte y el mercado del arte que la palabra no sólo es confuso, sino inexactos. La pregunta acerca de la palabra 'forastero' no va a ser resuelto aquí, pero parece indiscutible Que este trabajo se hace más familiar y más cuidadosamente examinado el desdibujamiento de las fronteras va a continuar. Debido a que el fondo de la cuestión es esta: ¿por qué extraño arte memorable no es su origen foráneo, pero un nivel de arte y el poder que conforme a la comparación con cualquier otra Tipo de arte. "

ANACRONISTAS MOVIMIENTO

Anacronistas

Se llaman Anacronistas (Anachronisti en italiano) a un grupo de pintores romanos que surgió en la primera mitad de los años 1980 en Italia, aunque hay artistas de otros países (Francia, España) que pueden enmarcarse en esta tendencia. Otras denominaciones son «pintura culta», que le dio el crítico de arte Italo Tommasoni, Nuevo Clasicismo, Neomanierismo, pintura de la «Nuova Maniera» (aunque esta denominación se ha usado también para los artistas de la transvanguardia italiana), «citacionistas» o «hipermanieristas».
Se inspiran en modelos del pasado, tanto de la pintura renacentista italiana, como en el manierismo y el barroco. Dentro de la modernidad, encuentran su antecedente en Giorgio De Chirico. No obstante, estos temas y estilos los tratan con cierta ironía y parodia, resultando a veces una caricatura. Su tema favorito es la figura humana, a la que colocan en actitudes incómodas.
Su primera exposición se celebró en la galería La Tartaruga de Roma en 1980, interviniendo también en la 41.ª Bienal de venecia (1984).

Pintores
Alberto Abate
Jean-Michel Alberola
Ubaldo Bertolini
Lorenzo Bonechi
Maurizio Calvezi
Gérard Garouste
Geneviève Laget
Carlo Maria Mariani
Guillermo Pérez Villalta
Anne y Patrick Pirier
Javier Rodríguez Quesada
Salvo
Stephano di Stasio

ABSTRACCIÓN LIRICO-REDUCTIVA


Kandinsky:"Pintura con arco en negro",

1912.Centro Pompidou, París.






Abstracción: Lírica y Reductiva


Pintura Abstracta Lírico-Reductiva
Con el término general de "abstracción" se designa un tipo de manifestación del arte plástico que no representa nada concreto o reconocible de la realidad material, que tiene razón de ser en función de sí mismo, que nace de la necesidad de expresión libre del artista, y que se sustenta en su propio lenguaje (el lenguaje de las líneas, de los colores y de los efectos matéricos de los pigmentos solos o mezclados con otras materias).Este tipo de manifestación plástica se consolidó como categoría estética a lo largo del siglo XX con distintas posiciones en su lenguaje (rayonismo, suprematismo, orfismo, neoplasticismo, concretismo, action painting, informalismo, abstracción postpictórica, op-art, neo-geo).El comienzo de la abstacción se produce hacia 1912 con la obra de los artistas Kandinsky y Klee (Kandinsky data en 1910 su obra titulada "Primera acuarela abstracta").Esos dos artistas formaban parte del grupo expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul) y al igual que los expresionistas de Die Brücke (El Puente), su afán estaba puesto en la renovación del arte, la búsqueda de lo esencial y el rechazo del impresionismo y del positivismo materialista imperantes en su época. Pero a diferencia del expresionismo de Die Brücke, las obras de Der Blaue Reiter eran más líricas (predominando en ellas las líneas curvas y los colores más suaves, en contraposición a las líneas quebradas y los colores más esaltados de Die Brücke). Además los artistas de Der Blaue Reiter, especialmente Kandinsky, tenían un deseo de recuperar el sentido espiritual del arte. Esto les llevo a orientar su obra hacia una depuración reflexiva y serena de lo material con el fin de alcanzar y representar la esencia de lo real.A través de ese proceso de depuración espiritual sosegado, Kandinsky llegó a la abstracción. Este proceso se manifiesta en múltiples obras en las que ensaya sus planteamientos estéticos y en las que se aprecian elementos que conservan todavía relación con motivos concretos (montañas, casas, árboles, etc.). A partir de 1913 esos motivos desaparecen y la obra de Kandinsky es toda no figurativa.
CARACTERÍSTICAS
- Rechazo de toda representación objetiva de la realidad.- Valoración de lo subjetivo y lo simbólico (Kandinsky concibe la abstracción con un planteamiento filosófico y místico cuyos presupuestos quedan recogidos en su libro "De lo espiritual en el arte").- Concepción gráfico-plástica apoyada en:
- la creatividad intuitiva (Kandinsky): formas abstractas surgidas de impresiones provocadas por la observación de la naturaleza; de improvisaciones que responden a impulsos emotivos espontáneos con intervención del azar; y composiciones surgidas de emociones internas conscientemente calculadas con la ayuda de la razón.
- la reducción subjetiva de la realidad (Klee): formas abstractas extraídas de la realidad mediante la reducción subjetiva de los contenidos aparenciales de las cosas a signos plásticos simbólicos del mundo objetivo, en función de la fantasía y la sensibilidad espiritual.
- Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia.- Ausencia de contenido evidente.- Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de ilusión espacial.- Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios.- Color libre.
ARTISTAS
Wassily Kandinsky (1866-1944) y Paul Klee (1879-1940).
OBRAS DESTACADAS





jueves, 10 de enero de 2008

Abstracción postpictórica

Abstracción postpictórica

Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del treinta. La abstracción de "hard-edge" nunca murió del todo, ni aun en los días más florecientes de Pollock y Kline. Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.Homenaje al cuadrado "curioso", 1963, AlbersUno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación. En consecuencia, era completamente cosmopolita. El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color.Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera.Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuandosu tratamiento particular de la forma lo lleva a relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica".Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha llegado a parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en Norteamérica.La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No importa si el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es pasivo.Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta fortaleza de los contornos.Pintura Roja, 1952, Ad ReinhardtOtro pintor cuya obra tiene algo de esta cualidad, sin ser calificado como abstraccionista pospictórico en el sentido más estricto fue Ad Reinhardt, quien se hizo una fama como el no conformista profesional del mundo artístico de Nueva York durante la década del cincuenta y logró retenerla hasta su reciente muerte. Influido por el arte decorativo abstracto de Persia y el Medio Oriente, Reinhardt pasó en los años cuarenta a través de una fase en la que su obra se acercó a la caligrafía de Tobey. Pero estas marcas "escritas" se reunieron y se convirtieron en rectángulos que cubrieron toda la superficie del cuadro. Desde una orquestación de intensos colores, Reinhardt pasó hacia el negro. La pintura característica de su última fase contiene colores tan oscuros y tan próximos en valor unos de otros, que el cuadro parece ser negro o casi negro, hasta que es estudiado detalladamente de cerca y entonces los rectángulos componentes emergen de la superficie.Es interesante comparar a Albers y Reinhardt con los pinceles de "hard-edge", que tienen una actitud más convencional hacia la composición, pero todavía muy norteamericana. Entre éstos están Al Held, Jack Youngerman y Ellsworth Kelly. De éstos, Kelly probablemente sea el más conocido. Su pintura consiste en campos planos de color, rígidamente divididos uno de otro. A veces un color contiene completamente a otro, de manera que el cuadro consiste en una imagen colocada sobre un fondo. Generalmente, éstas son las obras más flojas de Kelly, especialmente cuando la imagen deriva de alguna forma natural, tal como la de una hoja. Otras veces parece como si la tela, ya muy grande, no hubiera alcanzado para acomodar la forma, que está arbitrariamente cortada por el borde, y continúa en la imaginación del espectador. Como mecanismo para impartir energía e interés a la pintura es bastante exitoso, pero quizás hay algo de engaño y trampa en ello. También está el hecho de que la "energía" y el "interés" son conceptos pictóricos tradicionales que, en el sentido en que los acabo de usar, Albers, Reinhardt y los abstraccionistas pospictóricos parecen igualmente determinados a rechazar.Lo que relaciona a Albers ya Reinhardt con los así llamados abstraccionistas pospictóricos es, en parte, la fascinación no de los medios pictóricos sino de la doctrina estética. La naturaleza doctrinaria de la abstracción pospictórica es sorprendente. Tal como los positivistas lógicos se han concentrado en los aspectos puramente lingüísticos de la filosofía, así los pintores que adhieren al movimiento se han preocupado de desprenderse de todo, excepto de un estrecho campo de consideraciones estrictamente pictóricas. La crítica americana Barbara Rose señala que: "en el proceso de autodefinición, una forma artística tenderá hacia la eliminación de todos los elementos que no correspondan con su naturaleza esencial. Según este argumento, el arte visual será despojado de todo significado extravisual, ya sea simbólico o literario, y la pintura rechazará todo lo que no sea pictórico".Partiendo de lo que Jacques Barzun, en una ocasión, describió como la naturaleza "abolicionista" del expresionismo abstracto (refiriéndose a su aparente deseo de suprimir el arte del pasado), el nuevo estilo rechazó estratagemas aun más enteramente que Albers y Reinhardt.Omicron, 1961, Morris LouisLos dos pintores que pueden considerarse como los verdaderos creadores de este movimiento son Morris Louis y el veterano expresionista abstracto Barnett Newman, a pesar de que otros expresionistas tales como Jack Tworkov, también muestran algunas características de la abstracción pospictórica en sus trabajos tardíos, un ejemplo es el uso de pintura diluida, que da una apariencia plana a la tela.Hacia 1950 -es decir, cuando el expresionismo abstracto estaba en la cúspide de su éxito- los objetivos de Newman ya estaban claros. Quería articular la superficie de la pintura como un "campo", más que como una composición -ambición que fue considerablemente más allá de Pollock. El procedimiento de Newman para conseguir el efecto deseado, era permitir que el rectángulo de la tela determinase la estructura pictórica. La tela está dividida, ya sea horizontal como verticalmente, por una o varias bandas. La línea de la división se usa para activar el campo, que es de color intenso,con algunas pequeñas variaciones de matices de un área a otra. El crítico americano Max Kozloff declara que, en la obra de Newman, "el color no se usa tanto para desbordar los sentidos como para impresionar a la mente con su curiosa mudez y sordera". Añade: "Newman, habitualmente, da la impresión de estar fuera de control, sin ser apasionado en lo más mínimo". Ya sea que uno esté -o no- de acuerdo con esta afirmación, la mudez y la falta de pasión -lo "tranquilo" en el sentido vulgar del término-, ciertamente habrían de ser la característica de la nueva fase del arte norteamericano.Con Newman, sin embargo, todavía tenemos la sensación de que la tela es una superficie a la que se le ha aplicado pigmento.Morris Louis difiere de esto en que no es tanto un pintor sino un teñidor. El color es una parte integral del material que ha usado el pintor y el color vive en la propia trama.Más aún que los principales expresionistas abstractos, Louis fue un artista que llegó a su estilo maduro por medio de una repentina notoriedad. Esta irrupción es una de las cosas que deben tenerse en cuenta al discutir su obra. Louis no era neoyorquino. Vivía en Washington, y Nueva York era un lugar al que notoriamente rechazaba visitar. En abril de 1953, Kenneth Noland, otro pintor amigo, lo convenció de que hiciera el viaje, tanto para encontrarse con el crítico Clement Greenberg como para ver algo de lo que estaban haciendo entonces los artistas de Nueva York. Louis tenía entonces cuarenta y un años y no había producido más que trabajos de importancia menor hasta ese momento.El viaje fue un éxito y Louis quedó especialmente impresionado, con una pintura de Helen Frankenthaler, Montañas y mar, que vio en su estudio. El efecto en su obra fue acercarlo tanto hacia Pollock como hacia Frankenthaler (considerándolos como influencias) .Siguieron algunos meses de experimentación, pero hacia el invierno de 1954 llegó súbitamente a una nueva forma de pintar. Un aspecto de la novedad era su técnica, que más tarde Greenberg describió de esta manera:."Louis derrama pintura en una tela de lona de algodón gruesa, sin marco y sin preparar, dejando el pigmento casi en todos lados lo suficientemente diluido, sin importarle cuántas capas del mismo están sobrepuestas, para que el ojo sienta debajo la fibra y la trama de la tela. Pero "debajo" es una palabra incorrecta. La tela, estando impregnada con pintura, más que simplemente cubierta por ella, se vuelve pintura en sí, color en sí mismo, como género teñido; la fibra y la trama forman parte del color".De hecho, Louis logró su originalidad, en parte a través de la explotación de un nuevo material, la pintura acrílica, que daba a sus pinturas un maquillaje físico muy diferente que el de los expresionistas abstractos. El proceso de teñido significó una reacción contra la forma, contra la luz y la sombra, en favor del color. Como señaló Greenberg: "Su reacción contra el cubismo fue una reacción contra lo escultural." Aun el espacio poco profundo que Pollock había heredado de los cubistas, sería de ahora en adelante evitado, dando énfasis al plano.Una de las ventajas de la técnica del teñido, en lo que concernía a Louis, era el hecho de que podía poner color sobre color.Sus primeras pinturas después de su irrupción son capas de cambiantes matices y tonos: no existe .la sensación de que las varias configuraciones de color hayan sido dibujadas con un pincel. Evidentemente, Louis no "pintaba" incluso en el sentido de Pollock, sino que volcaba, inundaba y fregaba el color en la tela. Esta desviación del proceso de color fue reticente en ciertos aspectos. En experimentos posteriores, Louis habría de intentar y lograr recuperar algunas de las ventajas del dibujo tradicional aplicándolos a las manchas. Esto es particularmente cierto en la serie de telas llamadas Desplegamiento, que fueron pintadas en la primavera y verano de 1961.Franjas irregulares de color, paralelas, aparecen ahora en diagonales como formando alas en los bordes de grandes áreas de tela que se dejan sin pintar. Michael Fried señala: "Los arroyos inclinados. ..abren el plano del cuadro más radicalmente que nunca, como si mirando la primera señal viéramos por primera vez el vacío. El deslumbrante espacio de la tela sin tocar repele y al mismo tiempo subyuga alojo, como un abismo infinito, abismo que se abre tras la más mínima marca que nosotros hacemos sobre una superficie plana, o se abriría si innumerables convencionalismos tanto del arte como de la vida práctica, no restringiesen las consecuencias de nuestro acto dentro de estrechos límites".El período final de actividad de Louis (murió de cáncer al pulmón en 1962) comprendió una serie de pinturas en franjas, donde las franjas de color, generalmente de ancho apenas diferente, están reunidas acierta distancia de los costados de las telas.. Fried piensa que éstas muestran, en comparación con los Desplegamientos que le precedieron, un refuerzo adicional del impulso que lleva a dibujar. Pero, en su estricto, inapartable paralelismo, las líneas de color parecen inertes y esto es cierto aun cuando, en tres pinturas de esta serie, las franjas cruzan diagonalmente a través de la tela. Inercia, estricto paralelismo e impulso constructivo (como se muestra en las pinturas con franjas diagonales), eran las características que Louis compartió con otros pintores abstractos postpictóricos.El socio y amigo de Louis, Kenneth Noland, fue más lento en lograr su propio despegue y, en consecuencia, pertenece a una etapa posterior del desarrollo de este nuevo tipo de pintura abstracta. Noland, como Louis, adoptó la nueva técnica del teñido, más que pintado de la tela. Y, como Louis, tiende a pintar en series, usando un único motivo con distintas variantes hasta que siente que ha agotado sus posibilidades. El primer motivo importante en la obra de Noland tiene la forma de un blanco con anillos concéntricos en diferentes tonos. Los cuadros compuestos sobre este principio son de fines de los años cincuenta y principios de los sesenta. En ellos, la forma de un blanco fue usada, no como Jasper Johns la utilizó contemporáneamente, con una deliberada intención de aludir a su banalidad, sino como medio de concentrar el efecto del color. A menudo los blancos parecen girar contra el fondo de la tela sin marco, efecto producido por el teñido irregular en sus bordes. Señala Fried: 'la tela sin preparar en las pinturas de anillos concéntricos de Noland cumple en gran parte la misma función que los campos coloreados en los grandes cuadros de Newman de alrededor de 1950; pero generalmente parece que, en estas pinturas, Noland hubiese logrado cargar la totalidad de la superficie de la tela con una especie de intensidad perceptual que, hasta ese momento, sólo los pintores cuyas imágenes ocupan todo o casi todo el campo del cuadro -Pollock, Still, Newman, Louis habían podido conseguir".Luz baja, 1965, Kenneth NolandDespués de experimentar con una forma elipsoide que ya no estaba, en todos los casos, en el exacto centro de una tela cuadrada, Noland comenzó, en 1962, una serie donde usó el motivo de los galones. Ésta fue la señal de una creciente preocupación por considerar a la tela simplemente como un objeto. El borde-bastidor comenzó a tener una importancia que, en conjunto, no se le había dado desde Pollock.Al principio, Noland permitió a la tela sin preparar que continuase jugando su papel. Pero los galones sugirieron la posibilidad de un soporte de forma romboidal -una especie de pintura que sería totalmente color, sin áreas neutras, con bandas coloreadas adosadas a las bandas del bastidor. Estas telas, como las pinturas tardías en franjas diagonales de Louis, tienen relación con algunos cuadros de Mondrian, donde la tela está diseñada para ser colgada diagonalmente. La relación expresionista abstracta y la constructivista comienzan a reunirse aquí.Después de un tiempo, los rombos de Noland se volvieron más angostos y más largos y eventualmente el modelo de galones fue abandonado por franjas que corrían horizontalmente sobre enormes telas, algunas de ellas de más de nueve metros de largo. El color se reduce así a su más simple relación, como en las pinturas tardías de Louis y es abandonada toda pretensión de composición. Estos cuadros tardíos muestran el extremo refinamiento de la sensibilidad de Noland al color. Comparado con sus primeras obras, el color es más pálido y más claro. Los tonos están muy próximos, lo que produce efectos de vibraciones ópticas, intensificadas por la cabal vastedad del campo, que envuelve y ahoga alojo. No hay nada pictórico en la forma en que se aplica el color: no tiene ni siquiera la falta de uniformidad de los teñidos de Louis y las bandas de color se encuentran más firmes y decisivas que las franjas de éste. O mejor, casi se encuentran: examinándolas de cerca demuestran estar separadas por bandas infinitesimalmente estrechas de tela sin preparar, efecto que Noland puede haber tomado de las primeras pinturas de Frank Stella.Sin título, 1968, Frank StellaStella, a pesar de que su trabajo está a menudo agrupado con el de Louis y el de Noland, es más estructuralista que abstraccionista pospictórico. Su preocupación no es tanto por el color como color, sino por la pintura como objeto, cosa que existe por su propio derecho y que es enteramente autorreferida. Su obra, sin embargo, tiene un vínculo directo con la de Barnett Newman.Las pinturas que establecieron la reputación de Stella fueron aquellas que se exhibieron en la exposición .'Sixteen Americans" del Museo de Arte Moderno, de Nueva York, en 1960. Eran todas telas negras, modeladas con franjas paralelas de aproximadamente 6 cm de ancho, elegidas para repetir la de las tablas de madera utilizadas para el soporte del cuadro. Stella continuó ejecutando otras series de pinturas a franjas, en aluminio, cobre y pintura magenta. Con las pinturas de aluminio y cobre, Stella comenzó a usar soportes con formas. Éstos hicieron de las pinturas no sólo objetos para colgar en la pared, sino CosaS que activaban la totalidad de la superficie de la pared. Hubo entonces un período de experimento con pinturas donde las franjas eran de diferentes colores, seguido de uno donde las telas adaptadas se combinaban para formar composiciones seriadas. Más recientemente vinieron telas asimétricas pintadas en vívidos colores que segmentan las formas que ahora, a veces, están curvadas.El efecto es casi como si alguien hubiese cortado y sistematizado las telas "órficas" de Robert Delaunay y también hay más que una insituación de los moldes del jazz moderno, lo que sugiere, evidentemente, una relación con la obra más reciente de Roy Lichtenstein.Si Stella pareció inclinarse a coquetear, tanto con el primer modernismo como con el pop art, otro pintor colorista, Jules Olitski, ha estado experimentando con lo que es esencialmente una crítica al expresionismo abstracto. Olitski cubre grandes áreas de la tela con manchas suaves; en su obra reciente, esas áreas manchadas a menudo contrastan una pasada de empalagosos brochazos gruesos, reminiscentes no tanto de Pollock sino de un europeo como De Stael. Las pinturas en sí mismas son generalmente vastas. La paradoja en la obra de Olitski es el tamaño de la escala comparada con la limitación del contenido; los cuadros insinúan una posición estética con el fin de negarla. La dulzura y la hermosura son irónicas y, sin embargo, almismo tiempo, verdaderamente expresadas y sentidas. Más aún que en la obra de Noland y Stella, estas pinturas se dirigen a un público conocedor.Lo mismo podría decirse sobre la obra de Larry Poons. A pesar de que Poons a veces ha sido llamado artista op, su típica obra no deja dudas sobre su verdadera ubicación. En esencia, sus pinturas consisten en un campo coloreado, con puntos de color contrastante, dis persos al azar. Se ofrece alojo observador una multitud de puntos de enfoque por los que la vista se desliza sin llegar a descansar. En las primeras obras de Poons, el efecto óptico está acrecentado por la selección del tono y del matiz. Los tonos están muy próximos entre sí; los matices, en agudo contraste, lo que genera una imagen latente en el ojo. Cuadros más recientes, sin embargo, tienden a mostrar que la conexión de Poons con el op art fue accidental. Las formas ovales características han sido ampliadas hasta que llegaron a ser tan grandes, o más aún, que la pisada de un hombre; el color es barroso, la terminación deliberadamente áspera. Las pinturas parecen ahora como plaquetas inmensamente ampliadas de microscopio, con bacilos alargados, y uno siente que el placer visual ha sido sacrificado a la característica aplicación estricta de una doctrina.Es interesante notar que, mientras que tanto el expresionismo abstracto como el pop art obtuvieron triunfos muy considerables en Europa, la abstracción postpictórica no tuvo, ni medianamente, tanto éxito en el escenario del arte europeo. Cuando los parisienses hablan, a veces algo amargamente, del rechazo norteamericano hacia "nuestros pintores", están hablando del aparente dominio de la abstracción pospictórica en Nueva York. El único país donde sus ideas han ganado un considerable apoyo fuera de los Estados Unidos, es Gran Bretaña, y esto es algo que simboliza la transferencia de influencias sobre el arte británico. Por ejemplo, John Hoyland, uno de los pocos artistas británicos con un dominio de la escala como el de los norteamericanos, está esencialmente en la tradición de Louis y Noland. Su uso del medio de la pintura acrílica es suficiente para afirmarlo. Pero Hoyland a veces obtiene hostil reacción por parte de los estudiosos norteamericanos por no ser lo suficientemente PUf sang, lo suficientemente reduccionista. Parece que le debe algo importante a Matisse y Miró, y sus pinturas no han abandonado claramente todas las ideas tradicionales sobre el tema de la composición. Uno puede incluso detectar referencias a De Stael, a quien Hoyland en una época admiró muchísimo.Desarrollo, 1967, Robyn DennyLas pinturas de Robyn Denny, a pesar de su estricta simetría bilateral, también son más complejas que la obra de su contraparte norteamericano. Los colores que usa Denny, ya sea sombríos o lechosos, no tienen la autoindulgencia que uno encuentra en Olitski, o en los abstraccionistas pospictóricos de la segunda generación, como Edward A Vedisian.Una de las cosas que parecen dividir a estos pintores ingleses de sus colegas norteamericanos, es el hecho de que los ingleses permanecen fascinados con la ambigüedad pictórica y continúan engañando con los efectos de la profundidad y perspectiva que son extraños al arte norteamericano del mismo tipo. La obra de pintores tales como John Walker, Paul Huxley, Jeremy Moon y Tess Jaray muestra esta controversia. La obra de la señorita Jaray aclara particularmente el punto, ya que una de sus fuentes son dibujos en perspectiva de arquitectura.Jardín de Alá, 1966, Tess JarayLa abstracción pospictórica es una moda comparativamente reciente. A pesar de que el éxito de Louis tuvo lugar a mediados de la década del cincuenta, casi toda la pintura que he discutido en este capítulo ha sido hecha en los últimos diez años. En Norteamérica y Gran Bretaña, a pesar de todo, disfruta del status de una ortodoxia.Esto ha tenido un resultado inesperado. Donde los partidarios del expresionismo abstracto ya hablaban de éste como de algo definitivo, un punto a partir del cual el arte no podía tener esperanzas de progresar, la abstracción pospictórica parece aún más definitiva. Ha comenzado a notarse que los artistas quieren encontrar su camino hacia adelante están ahora inclinados a abandonar la idea de la pintura como vehículo para lo que quieren hacer o decir. Esto no sólo ha significado un gran vuelco de la atención hacia la escultura sino, que ha llevado hacia un creciente número de experimentos con medios mixtos y al campo del arte cinético.

Abstracción-Creación

Abstracción-Creación

Abstracción-Creación(en francés Abstraction-Création fue una asociación de artistas abstractos que se formó en París en 1931 para contrarrestar la influencia del poderoso grupo surrealista liderado por André Breton. Fue uno de tantos grupos artísticos que se formaron de artistas abstractos en la década de 1930, como cercle et carré (círculo y cuadrado).Los fundadores fueron Auguste Herbin, Jean Hélion y Vantongerloquienes formaron el grupo para fomentar el arte abstracto después de que la tendencia se volviera hacia la representación en los años 1920 Asumieron los planteamientos teóricos del concretismo de Theo va Doesburg. Llegó a tener más de 400 asociados de las más diversas nacionalidades y tendencias dentro del arte abstracto: Naum Gabo, Antoine Pevsner. Piet Mondrian, Vasili Kandinsky, El Lissitzky y Frank Kupka.Desde 1932 hasta 1936 publicaron Abstraction-création: Art non-figuratif, y celebraron exposiciones de arte por toda Europa. Era un grupo no prescriptivo de artistas, cuyos ideales y prácticas variaron de unos a otros ampliamente. Entre las personas involucradas con este grupo y se publicación, cabe mencionar a Piet Mondrian Jean Arp, Marlow Moss, Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Kurt Schwitters, Wassily Kandinsky, Taro Okamoto, Paule Vezelay, Bart van der Leck, Leon Tutundjian o John Wardell Power.El periódico fue reeditado por Arno Press, Nueva York, en 1968.

Movimientos pictoricos

Movimientos pictóricos
A
Abstracción-Creación
Abstracción lírica
Anacronistas
Art brut
Arte concreto
Arte feminista
Arte pop
B
Bad painting
C
Cubismo
D
De Stijl
E
Espacialismo
Estilo trovador
Expresionismo
Expresionismo abstracto
F
FauvismO
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Funk art
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Impresionismo
Informalismo
L
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M
Macchiaioli
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Neo-pop
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O
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O cont.
Orfismo (arte)
P
Pintura matérica
Pintura metafísica
Pintura minimalista
Pintura románica
Pintura romántica
Q
Quattrocento italiano en El Prado
R
Realismo figurativo
Realismo pictórico
S
Sincronismo
Supports-surfaces
Surrealismo abstracto
T
Transvanguardia
V
Vedutismo
Vorticismo

miércoles, 2 de enero de 2008

Cuadros Del Impresionismo

EL IMPRESIONISMO (MOVIMIENTO)

El impresionismo surge de la lucha entre la pintura romántica y la realista. Hunde sus raíces en la escuela de Barbizón y los grandes paisajistas como Corot, Courbet, Millet y Boudin, que dan mayor importancia a la luz y el color. Asimilaron mucho de la escuela realista, coincidiendo con Courbet en que «la pintura es arte concreto y debe representar cosas reales y existentes», pero surgieron como reacción a las imposiciones académicas existentes. A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el Renacimiento.
Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. Debido a esto, la ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida, ya que se trata de captar el instante irrepetible de luz en el paisaje. Este nuevo tipo de artista se fundamenta en el genio individual que vive de su arte, y que debe vender sus cuadros realizando exposiciones, por lo que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías. El artista deja el taller para pintar directamente ante la naturaleza.
El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico, por su concepción, aunque se aplica, un poco abusivamente, a otras artes cuando los autores pretenden apelar a las sensaciones que producen sus obras. El cuadro impresionista implica una construcción visual y mental de la figura, lo que determina una nueva actitud ante la obra de arte: activa en lugar de pasiva. Aplican el color en pinceladas sueltas y colores puros, sin mezclarlos en la paleta. El ojo es el que debe mezclar los colores. Su técnica se caracteriza por la pincelada suelta, creativa y definitiva. El dibujo desaparece, en favor de las manchas de color que abocetan la figura. Sus temas principales son el paisaje y el cuerpo humano, pero su sello definitivo se encuentra en el tratamiento de la luz y el color, todo ello desde el punto de vista de la burguesía, de su ocio. Los impresionistas tratan el color de una manera científica, según las teorías de Michel Eugène Chevreul de los colores primarios, complementarios, fríos, cálidos y las sensaciones que produce su combinación. Gracias a ello descubren que se pueden crear contrastes poniendo juntos colores de diferentes características, lo que les permite crear sensación de sombra utilizando color, en lugar de negro. Hermann von Helmholtz publica Óptica fisiológica, Daguerre y Niepce publican en 1839 sus descubrimientos sobre la fotografía y Darwin El origen de las especies. Además, la industria está preparada para proporcionar a los pintores una amplia gama de colores a precios baratos. En sus cuadros los impresionistas tratan de atrapar la atmósfera, para lo que eliminan el dibujo y potencian la luz solar y la perspectiva aérea.
Los impresionistas surgen como grupo en 1874, en la exposición del Salón de los Rechazados (rechazados de los museos oficiales). El crítico francés Louis Leroy les llama despectivamente impresionistas, por el cuadro de Monet Impresión: sol naciente, y ellos asumen el nombre. La capital del arte pasa, definitivamente, de Roma a París.
Velázquez y Goya pueden considerarse precursores del impresionismo en alguno de sus cuadros. Los impresionistas tratan de compaginar el color y la atmósfera con la volumetría matemática. Su tema principal es el paisaje, del que hacen series sobre un mismo motivo capturando la luz de las diferentes horas del día. Renuncian al dibujo utilizando manchas de color. También pintan temas de la vida cotidiana, sobre todo el tiempo de ocio de la burguesía. Para la mayoría de los pintores de este movimiento el impresionismo sólo fue una etapa de su obra.
Los impresionistas Edouart Manet (1832-1883) está considerado como el precursor del impresionismo, más que por su técnica por su actitud ante la obra de arte, siempre escandalosa. Merienda en la hierba o Almuerzo campestre, Un bar en el Folies-Bergère, Música en el jardín del las Tullerías y La Olimpia, ambas obras provocaron el escándalo por mostrar desnudos en situaciones cotidianas de la burguesía, y El pífano una obra extraordinaria que recuerda, en su tratamiento del fondo y su composición a la de Velázquez El bufón Pablo de Valladolid.
Camile Pissarro (1803-1903) fue el pintor que más se acercó a la naturaleza. Es uno de los grandes paisajistas del movimiento: El lavadero, La estación de Perge, Huerto en flor.
Claude Monet (1834-1906) es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan Impresión: sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas.
Alfred Sisley (1839-1899) es uno de los fundadores del impresionismo. Sus cuadros son discretos, pero encarna todas las características del estilo. Retrata la realidad sin efectismos. El canal, Nieve en Louveciennes, Campo de trigo cerca de Argenteuil, La presa de Molesey.
Edgar Degás (1834-1917) fue un impresionista atípico. Era un buen dibujante, y en sus cuadros utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las bailarinas y los espectáculos nocturnos, en su dimensión más cotidiana y menos espectacular, las carreras de caballos, los paisajes urbanos, desnudos y retratos. No pintó al aire libre. Entre sus obras destacan Bailarinas preparándose para el ballet, Los jóvenes espartanos, Escenas del ballet «Roberto y el Diablo», Dos bailarinas en el escenario, Retrato de Edmond Duranty, Después del baño, Bañista arreglándose el pelo.
Pierre Auguste Renoir (1814-1919) es uno de los más puros impresionistas. Sus motivos son el tiempo de ocio de la burguesía, los bañistas y el cuerpo femenino y también los interiores. Dejó el impresionismo a los cuarenta años, cuando se dio cuenta que había llegado a un callejón sin salida. Obras suyas son El palco, Baile en el Molino de la Galette, Dama tocando el piano, El concierto, La bailarina, Mujer desnuda secándose los pies, La lavandera.
Paul Cézanne (1839-1906) tiene una larga y variada trayectoria como pintor. Para él el impresionismo sólo es una época de su vida, y nos los encontraremos en el posimpresionismo: La casa de Zola en Medan.
Monet, Sisley y Pissarro son los pintores ortodoxos por excelencia. Pintan paisajes del natural. El cuadro de Monet Impresión: sol naciente es el cuadro típico del impresionismo. Al igual que en la escuela de Barbizón trabajan en la naturaleza, en los bosques de Fontainebleau. Otros impresionistas menos conocidos son Frédéric Bazille: Reunión de familia, Gustave Caillebotte: Tejados nevados, Armand Guillaumin: Montmartre, Maurice Urtrillo: Molino de la Galette, y Berta Morisot, una de las pocas mujeres que hasta ahora han destacado en la historia del arte: Vista de París desde la colina del Trocadero, Retrato de la madre y la hermana, La cuna.
El impresionismo prende con tal fuerza que en poco tiempo se extiende por todo el mundo, aunque por supuesto fuera del arte académico. En Alemania destacan Lovis Corinth: Ecce Homo, y Max Liebermann: Jugadores de polo. En Bélgica están Henri de Braekeller: El restaurador de cuadros, Guillaume Vogels: La plaza de armas de Ostende, y James Ensor: Tarde en Ostende, más conocido como expresionista. En Inglaterra trabajarán muchos de los artistas franceses, durante la guerra franco-prusiana. Destacan Walter Richard Sickert: El sombrero azul, y Philip Wilson Steer: Muchachas corriendo en la escollera. En Italia destacan Giovanni Boldini: Retrato de Cléo de Mérode, y Federico Zandomeneghi: Niña durmiendo. En Noruega sobresale Frits Thaulow: Escena de canal en invierno. En Suecia destaca Ernst Josephson: Bosque y tañedor de arpa. En Rusia encontramos a Ílich Isaac Leviatán: Otoño dorado. E incluso en Estados Unidos tenemos pintores impresionistas como Childe Hassam: Washington Arch en primavera, y Julián Alden Weir: Paisaje. Todos ellos trabajaron en París en algún momento de su vida, donde entraron en contacto con los grandes impresionistas.
En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista más representativo, y el único impresionista no francés de talla internacional. Trabaja en Levante, con la luz del Mediterráneo, por eso sus cuadros tienen un color y una luz muy vivos. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro..., Cosiendo la vela, Después del baño, Sol de tarde, Saliendo del baño, En la playa y Niño en la playa. Otros impresionistas españoles son Aureliano de Beruete: Orillas del Manzanares, Joaquín Mir: Cala encantada, Francisco Oller: El estudiante, y Darío de Regoyos: Redes tendiéndose al sol.
La escultura No existe escultura impresionista como tal, ya hemos visto que el impresionismo atiende a la luz y el color. Sin embargo, algunos pintores impresionistas realizan esculturas con un aspecto similar al de sus cuadros. Destacan entre todos Gauguín, Degás, que esculpe bailarinas y Renoir que realiza relieves.
Sin embargo, el escultor considerado impresionista, por excelencia, es Auguste Rodin, (1840-1917) el escultor más grande de la época. Tendrá una etapa simbolista. La edad del bronce, El pensador, La mano de Dios, Los burgueses de Calais, Otros escultores son Costantín Meunier: El descargador, e Iván Mestróvic: la fuente de la vida.

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